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Marqueurs stylisés : comment obtenir des marqueurs rebondissants avec des points de localisation ?

Marqueurs stylisés : comment obtenir des marqueurs rebondissants avec des points de localisation ?


Je souhaite marquer un emplacement important avec des marqueurs plus gros (pointeur avec fourches) et un emplacement plus petit avec des marqueurs normaux (points de couleur). Je veux que les gros marqueurs rebondissent en vol stationnaire. Comment obtenir cet effet dans Google Maps ou en utilisant Leaflet.


Si vous avez effectué vos trois tâches individuellement, je n'entrerai pas dans la façon de les réaliser. Pour les réunir, votre meilleur pari sera une carte avec deux couches vectorielles différentes. Rangez les petits points dans le premier et les marqueurs dans le second. Attribuez ensuite unsurvol de la sourisévénement à la deuxième couche avec une fonction pour l'animer.

Réaliser l'animation dans Google Maps est assez simple pour la fonction d'animation offerte par l'API, comme l'a souligné @phloem dans la section des commentaires.

Je n'utilise pas l'API Google Maps, car elle est égoïste (ne prend pas en charge les sources externes) et non FOSS, je vais donc vous montrer comment atteindre votre objectif dans Leaflet :

Dans Leaflet, vous pouvez utiliser le plugin BounceMarker de Maxime Hadjinlian : http://jsfiddle.net/GFarkas/3tac6ckp/.

Ce plugin a tendance à être glitchy si vous passez votre souris sur un marqueur plusieurs fois très rapidement, il est donc plus approprié si vous ne l'utilisez qu'avec unajouterou alorsCliquez surun événement.

Il existe un moyen de régulariser l'intervalle auquel l'effet de rebond peut être appelé. Dans ce violon, j'ai créé deux variables Date () qui ne laisseront pas l'effet de rebond se produire plus de 501 millisecondes. Vous pouvez définir cet intervalle aussi haut ou bas que vous le souhaitez, mais cela vaut la peine de le définir un peu plus longtemps que la durée de l'animation de rebond, afin que les utilisateurs ne remarquent pas qu'ils ne peuvent pas faire rebondir un marqueur dans un intervalle spécifié, pour le moment l'animation peut être lue, donc elle ne se bloquera pas :

var then = new Date(); for (var i = 0; i < largePoints.features[0].geometry.coordinates.length; i++) { marker.push(L.marker([largePoints.features[i].geometry.coordinates[1], largePoints. features[i].geometry.coordinates[0]])); marqueur[i].addTo(map); marker[i].on('mouseover', function () { var now = new Date(); if (then.getTime()+510 < now.getTime()) { this.bounce({duration: 500, height : 100}); then = new Date(); } }) }

Créer une superposition de données avec Mapbox

Maintenant que vous avez une idée de l'environnement Mapbox, essayons quelque chose d'un peu plus complexe qui implique de modifier le style Mapbox, de créer des données thématiques à partir de zéro et d'afficher le résultat dans un environnement de navigateur Web plutôt qu'ArcMap.

Supposons que vous soyez chargé de créer un site Web pour montrer les cinq meilleurs restaurants de votre ville (avec vous et vous seul comme juge). Vous voulez créer rapidement une carte que vous pouvez intégrer dans un site Web, mais comme vous êtes un cartographe pointilleux, vous voulez avoir un contrôle total sur le style de la carte. Faisons-le avec Mapbox, en concevant d'abord un fond de carte, puis en ajoutant des données pour représenter les cinq restaurants d'intérêt.

  1. Dans Mapbox Studio, cliquez sur le modes menu et créer un Nouveau style en utilisant le Printemps variante de la De base modèle.
  2. Créez un nom pour votre style, comme Geog865Base.
  3. Effectuez un zoom avant sur votre état et cliquez sur une zone verte (qui représente une forêt ou un parc). Sélectionnez ensuite le nom du calque qui sera probablement quelque chose comme : Terre et eau… Un menu supplémentaire devrait apparaître vous permettant de modifier le style de cette fonctionnalité, y compris la couleur.

Vous avez terminé de modifier votre fond de carte pour le moment. Vous n'avez pas besoin d'enregistrer votre travail que Mapbox Studio a fait au fur et à mesure. Entrons maintenant dans les restaurants.

  1. Dans le coin supérieur gauche de Mapbox Studio, cliquez sur le Boîte à cartes pour revenir à la page principale de Studio, puis sélectionnez l'icône Ensembles de données menu.
  2. Cliquez sur Nouvel ensemble de données.
  3. Entrez le nom Les cinq meilleurs restaurants, et cliquez sur Créer.
  4. Effectuez un zoom avant sur un endroit que vous connaissez bien (comme votre ville) et cliquez sur l'icône en forme de larme à l'envers pour dessiner un point.
  5. Cliquez sur la carte à l'emplacement de votre restaurant préféré. Un point orange devrait apparaître. (Si vous avez besoin d'aide pour trouver cela, utilisez une autre carte comme référence ou remplacez le style d'arrière-plan par l'une des cartes satellites Mapbox).

Ensuite, vous appliquerez votre propre style aux icônes et ajouterez des étiquettes. Vous afficherez ensuite un aperçu de votre carte dans un navigateur Web.

Il existe plusieurs façons de symboliser ces points de restauration. Une façon pourrait être d'utiliser une petite icône sous la forme d'un fichier graphique vectoriel évolutif (SVG). Mapbox fournit un bel ensemble de ces icônes SVG appelées Maki.

Une autre façon est d'utiliser simplement un marqueur de base comme un cercle. Nous adopterons cette approche, mais nous ajouterons également une étiquette à partir de certaines des informations que nous avons saisies dans les champs du restaurant. Les points de restaurant et les étiquettes seront traités comme des couches distinctes sur la carte. Suivez ces étapes:

    Affichage de votre Geog865Basemap dans Mapbox Studio, modifiez le symbole du cercle des cinq meilleurs restaurants pour avoir une couleur et un contour qui vous plaisent.


Il s'agit d'une marque éditoriale, fournie par le comité éditorial de l'édition. Les marques de paragraphe pour les nouvelles bibles d'étude KJV ont tendance à être les mêmes, mais certaines diffèrent des sauts de paragraphe de la KJV autorisée de 1611.

La Bible de Genève de 1599 a été la première à numéroter les versets, et chaque verset était son propre paragraphe.

"La Bible de Genève a été la première Bible anglaise à utiliser à la fois des divisions de chapitres et de versets modernes pour toute la Bible. Les versets du Nouveau Testament dans la Bible de Genève ont suivi les divisions de versets du Nouveau Testament grec d'Estienne de 1551. Chaque verset était un nouveau paragraphe." Origine : ici.

La marque ¶ est insérée dans le 1599 GNV dans des sections de texte plus grandes pour indiquer une pause dans l'activité ou la pensée. C'est un produit du comité de rédaction.

Cela est devenu une norme à utiliser dans les traductions ultérieures, mais chaque comité éditorial a pris sa propre décision. Les sauts de paragraphe dans la KJV s'accordent parfois avec ceux de la GNV 1599, mais s'en écartent fréquemment.

La ponctuation a été introduite dans des documents écrits vers le 3ème siècle avant JC pour suggérer à l'orateur des pauses respiratoires, et a finalement commencé à inclure d'autres marques pour la qualité tonale telles que des points d'exclamation et des points d'interrogation. Les notes étaient un ajout au texte écrit par l'orateur, pour aider à parler en public.

« L'importance attachée à l'interprétation individuelle d'un texte par le lecteur était si grande, en fait, qu'aucun manuscrit survivant avant le Moyen Âge n'a été trouvé ponctué de la propre main de l'écrivain10 uniquement lorsqu'un lecteur a préparé un texte à prononcé à haute voix serait-il annoté comme tel. » Souce: Pilcrow Partie 1

Dans l'ensemble, l'insertion du coussin semble être déterminée indépendamment par chaque comité de traduction.

Le pilcrow (¶) a une histoire intéressante, et a été progressivement dérivé du capitule utilisé par les moines pour marquer de nouveaux chapitres et plus tard utilisé pour de nouveaux paragraphes ou marqueurs de phrases, selon ce que l'écrivain / scribe a jugé approprié.

"Au début, utilisé uniquement pour marquer des chapitres, il a commencé à pimenter les textes en tant que paragraphe ou même marqueur de phrase afin de diviser un bloc de texte courant en sections significatives comme l'écrivain l'entendait. ¶ Ce style de l'usage a donné un texte très compact19, remontant peut-être à la pratique encore récente de scriptio continua. En fin de compte, cependant, le concept du paragraphe l'a emporté sur le besoin d'efficacité et est devenu si important qu'il a justifié une nouvelle ligne† - précédée d'un oreiller, bien sûr, pour l'introduire." Souce: Pilcrow Part 2

Une note intéressante est que le dernier pilcrow des traductions anglaises se produit à Actes 20:36. Certains ont émis l'hypothèse que les compositeurs originaux manquaient de coussins et ne pouvaient pas les utiliser dans le reste de la Bible. D'autres ont déterminé une certaine intervention divine dans l'utilisation discontinue dans les épîtres et l'Apocalypse. Voir « La dernière marque de paragraphe » ici.

Il est plus probable que les épîtres étaient suffisamment courtes pour que les versets soient suffisants pour servir de marqueurs d'espace et de sauts de paragraphe. Mais, je n'ai trouvé aucune marque de paragraphe dans l'Apocalypse dans aucun de mes KJV.

Informations de source supplémentaires sur la désuétude du pilcrow en caractères imprimés : Pilcrow Part 3


  1. Cliquez sur l'icône « hamburger » dans le coin supérieur gauche :
  2. Cliquez sur Satellite (le deuxième élément du menu) pour activer le mode satellite s'il ne l'est pas encore
  3. Cliquez sur Étiquettes sous Sattellite . Il passe ensuite à Étiquettes désactivées
  4. Prendre plaisir!

  1. Cliquez sur l'icône du menu dans le coin supérieur gauche
  2. Activer le mode Terre (premier élément du menu) s'il n'est pas activé
  3. Cliquez sur Étiquettes sur . Il passe ensuite à Étiquettes désactivées
  4. Prendre plaisir!

Les plaintes concernant l'absence d'une telle fonctionnalité (je pense peut-être sur l'évaluateur de vues « Terre » que par satellite) sont récentes, donc je pense qu'il n'y a pas encore de moyen simple de supprimer les étiquettes. Cependant, il y a ce conseil de John Mee le 24 juin (vraisemblablement 2014):

Soit:

a) Appuyez sur le "?" sur les nouvelles cartes et sélectionnez "revenir à l'ancienne carte Google". Sur les anciennes cartes dans le widget "map/traffic" en haut à droite de la page, vous pouvez décocher "labels". Dans la barre latérale gauche, cliquez sur "get it now" pour revenir à New google maps (ou "dismiss" la notification "souvenez-vous que je veux d'anciennes cartes" et fermez/rouvrez le navigateur.

alternativement

b) Installez Google Earth et désactivez tous les "Layers"

Je n'ai pas testé cela, mais il semble qu'il y ait eu plus de votes positifs que négatifs.


Activité 2. Raconter des histoires : écouter les aînés autochtones

Demandez aux élèves de penser à quelque chose qu'ils auraient pu apprendre de leurs parents ou de leurs enseignants à travers une chanson ou une histoire. Ont-ils appris leur ABC d'une chanson ? Ou ont-ils appris à compter à partir d'une rime (comme un, deux, boucle ma chaussure, etc.) ? Était-ce plus facile d'apprendre leur ABC en apprenant une chanson pour l'accompagner ?

Demandez aux élèves de réfléchir au chemin de leur chambre à la maison à la cuisine (ou de leur maison à l'école). Comment expliqueraient-ils à quelqu'un d'autre comment passer d'une pièce à l'autre ? Quels points de repère diraient-ils à l'autre personne de surveiller ? Les élèves pourraient dire des choses comme "passer devant la chambre de mon frère puis tourner à droite". Mais comment quelqu'un qui ne connaît pas sa maison saura-t-il déjà qu'il est passé devant la chambre de son frère ? Comment vont-ils l'expliquer à quelqu'un qui n'est pas familier d'une manière qu'ils puissent reconnaître et se souvenir de ce point de repère ? Pourraient-ils raconter une histoire sur le point de repère qui pourrait les aider à se souvenir ? Quelle histoire raconteraient-ils à quelqu'un pour les aider à se souvenir des points de repère ? Par exemple, les élèves peuvent raconter des histoires sur les affiches sur la porte de leur frère, comme expliquer qu'il les a eues lors d'un concert.

De nombreuses histoires autochtones contiennent justement ce genre d'information. En plus de transmettre des informations sur le paysage, de nombreuses histoires aborigènes expliquent des phénomènes naturels, tels que les caractéristiques des animaux et des plantes d'Australie. Enfin, de nombreuses histoires autochtones sont conçues pour enseigner des leçons sur la moralité, l'éthique et le bon comportement. Demandez aux élèves s'ils ont déjà entendu une histoire qui avait une morale. Ils pourraient identifier une fable, comme l'une des fables d'Ésope, ou un conte de fées.

Peut-être que le meilleur endroit pour commencer à apprendre la narration autochtone est le concept de Moment de rêve. Les aborigènes croient en un temps appelé Dreamtime, pendant lequel la terre, le ciel au-dessus et tout ce qu'ils contenaient ont été formés par les actions d'êtres surnaturels inconnus. Dreamtime est le début de toutes choses, et il existe de nombreuses histoires aborigènes qui relient la création de la géographie australienne aux actions des animaux, des esprits et des personnes dans le Dreamtime. Vous pouvez commencer par partager les informations sur le Dreamtime qui sont disponibles sur le site Web Native Web, évalué par EDSITE. Travaillez avec la classe pour créer une définition de l'idée de Dreamtime. Une définition de travail pourrait être : La période où, selon les peuples autochtones, le monde a été formé et toutes les choses ont vu le jour.

Maintenant que les élèves ont appris quelque chose sur le concept de Dreamtime, ils sont prêts à en apprendre davantage sur la narration autochtone et à écouter quelques histoires sur Dreamtime. Commencez par écouter une introduction à la narration autochtone par tante Beryl Carmichael, intitulée Why the Stories are Told. Celui-ci est disponible à la fois sous forme de fichier audio et de fichier texte à partir de cette page Web, accessible via Native Web. Lorsque vous et votre classe avez fini d'écouter l'explication des raisons pour lesquelles des histoires sont racontées, vous pouvez passer à certaines histoires racontées par des conteurs autochtones. Vous pouvez choisir parmi les histoires disponibles sous forme de fichiers audio et texte répertoriés ici.

Noter: Si vous êtes en mesure de télécharger les fichiers audio, écouter des conteurs autochtones raconter les récits avec leur propre voix permettra à vos élèves de découvrir en gros plan la culture autochtone. Cependant, les accents des conteurs ne seront probablement pas familiers à la plupart de vos élèves, ce qui les empêchera de comprendre immédiatement tout dans l'histoire. Vous voudrez peut-être lire certaines des histoires à la classe à partir des textes fournis. Il est également important de noter aux élèves que la pratique de la narration a changé au fil du temps et qu'ils devraient prêter attention au fait que ces histoires sont maintenant racontées en anglais plutôt que dans une langue autochtone. Cela pourrait aider les élèves à comprendre que même si la pratique de la narration est ancienne, elle a également évolué avec la vie autochtone, historiquement et dans la vie contemporaine.

Vous devrez peut-être créer un programme d'histoires à écouter qui conviendra aux contraintes de temps de votre classe. Une sélection de différents types d'histoires peut offrir aux élèves un large éventail de styles et de techniques de narration. Vous pouvez envisager les quatre histoires suivantes pour une gamme de styles :

    . Cette histoire vous aidera à présenter Dreamtime à vos élèves. . Cette histoire donne un arrière-plan explicatif aux formations géographiques. . Cette histoire contient une leçon claire de comportement moral. . L'histoire explique les caractéristiques physiques de la baleine, du koala et de l'étoile de mer.

Après avoir écouté chaque histoire, demandez aux élèves d'identifier les personnages principaux du récit. Utilisez ensuite les questions suivantes pour mener une discussion en classe :

  • Les personnages principaux sont-ils humains ? Sont-ils des animaux ? Sont-ils des esprits ?
  • Les personnages de l'histoire sont-ils spécifiques à l'Australie ? Les élèves peuvent-ils identifier les animaux de l'histoire à partir de la liste des animaux australiens de l'activité précédente ?
  • Quels sont les principaux événements de l'histoire ?
  • L'histoire a-t-elle appris aux auditeurs quelque chose sur le paysage, les plantes ou les animaux en Australie ?
  • L'histoire a-t-elle donné une leçon? Quel genre de cours ?
  • Quelle est la morale de l'histoire?

Un aspect important de la narration autochtone est que les histoires sont une sorte de propriété et que seules certaines personnes – celles qui « possèdent » l'histoire – sont autorisées à raconter l'histoire. Les personnes ou les communautés qui possèdent l'histoire sont chargées de la garde de celle-ci : elles sont chargées de prendre soin de l'histoire et de la transmettre à la génération suivante. De plus, il y a certaines histoires que l'on ne devrait pas entendre à moins qu'elles n'appartiennent à la communauté qui en est propriétaire. Il s'agit d'un aspect de la narration qui est très différent de ce à quoi les élèves sont probablement habitués et qui constitue une partie importante de la culture autochtone. Vous voudrez peut-être soulever cette question avec les élèves en leur faisant remarquer que sur de nombreux sites Web, il existe une clause de non-responsabilité qui explique que les gardiens de l'histoire ont autorisé son apparition sur le site Web et avertit les téléspectateurs que les histoires sont contenues à l'intérieur afin que les Autochtones qui n'ont pas le droit de les entendre ou de les voir ne les verront pas par accident.


Contenu

  • Créativité artistique ou individualisme expressif : Dans l'art ouest-africain en particulier, l'accent est largement mis sur l'individualisme expressif tout en étant simultanément influencé par le travail des prédécesseurs. Un exemple serait l'art dan ainsi que sa présence dans la diaspora ouest-africaine. [13][14]
  • L'accent mis sur la figure humaine : La figure humaine a toujours été le sujet principal de la plupart des arts africains, et cet accent a même influencé certaines traditions européennes. [9] Par exemple, au XVe siècle, le Portugal a fait du commerce avec la culture Sapi près de la Côte d'Ivoire en Afrique de l'Ouest, qui a créé des salières en ivoire élaborées qui étaient des hybrides de dessins africains et européens, notamment en ajoutant la figure humaine (la figure humaine n'apparaissait généralement pas dans les salières portugaises). La figure humaine peut symboliser les vivants ou les morts, peut faire référence à des chefs, des danseurs ou à divers métiers tels que les tambours ou les chasseurs, ou encore peut être une représentation anthropomorphe d'un dieu ou avoir une autre fonction votive. Un autre thème commun est l'inter-morphose de l'humain et de l'animal.
  • Abstraction visuelle : les œuvres d'art africaines ont tendance à privilégier l'abstraction visuelle par rapport à la représentation naturaliste. En effet, de nombreuses œuvres d'art africaines généralisent les normes stylistiques. [15]

L'étude de l'art africain se concentrait jusqu'à récemment sur l'art traditionnel de certains groupes bien connus sur le continent, avec un accent particulier sur la sculpture traditionnelle, les masques et autres cultures visuelles d'Afrique de l'Ouest non islamique, d'Afrique centrale et d'Afrique australe avec un un accent particulier sur les XIXe et XXe siècles. Récemment, cependant, il y a eu un mouvement parmi les historiens de l'art africains et d'autres universitaires pour inclure la culture visuelle d'autres régions et périodes. L'idée est qu'en incluant toutes les cultures africaines et leur culture visuelle au fil du temps dans art africain, il y aura une meilleure compréhension de l'esthétique visuelle du continent à travers le temps. Enfin, les arts des peuples de la diaspora africaine, au Brésil, dans les Caraïbes et dans le sud-est des États-Unis, ont également commencé à être inclus dans l'étude de l'art africain.

L'art africain prend de nombreuses formes et est fabriqué à partir de nombreux matériaux différents. La plupart des œuvres d'art africaines sont des sculptures en bois, probablement parce que le bois est un matériau très répandu. Les bijoux sont une forme d'art populaire et sont utilisés pour indiquer le rang, l'affiliation à un groupe ou purement pour l'esthétique. [16] Les bijoux africains sont fabriqués à partir de matériaux aussi divers que la pierre d'œil de tigre, l'hématite, le sisal, la noix de coco, les perles et le bois d'ébène. Les sculptures peuvent être en bois, en céramique ou taillées dans la pierre comme les célèbres sculptures Shona [17] et les poteries décorées ou sculptées proviennent de nombreuses régions. Diverses formes de textiles sont fabriquées, notamment le chitenge, le tissu de boue et le tissu kente. Les mosaïques faites d'ailes de papillon ou de sable coloré sont populaires en Afrique de l'Ouest. Les premières sculptures africaines peuvent être identifiées comme étant en terre cuite et en bronze. [18]

Les religions africaines traditionnelles ont été extrêmement influentes sur les formes d'art africaines à travers le continent. L'art africain découle souvent des thèmes du symbolisme religieux, du fonctionnalisme et de l'utilitarisme, et de nombreuses œuvres d'art sont créées à des fins spirituelles plutôt que purement créatives. De nombreuses cultures africaines mettent l'accent sur l'importance des ancêtres en tant qu'intermédiaires entre les vivants, les dieux et le créateur suprême, et l'art est considéré comme un moyen de contacter ces esprits des ancêtres. L'art peut également être utilisé pour représenter des dieux et est apprécié pour ses objectifs fonctionnels. [ citation requise ] Cependant, il est important de noter que l'arrivée du christianisme et de l'islam a également grandement influencé l'art du continent africain, et les traditions des deux ont été intégrées dans les croyances et les œuvres d'art de la religion africaine traditionnelle. [19]

Les origines de l'art africain se situent bien avant l'histoire enregistrée. Les plus anciennes perles connues de la région étaient fabriquées à partir de Nassaire coquillages et portés comme ornements personnels il y a 72 000 ans. [4] En Afrique, des preuves de la fabrication de peintures par un procédé complexe existent il y a environ 100 000 ans [5] et de l'utilisation de pigments il y a environ 320 000 ans. [6] [20] L'art rupestre africain du Sahara au Niger conserve des gravures vieilles de 6000 ans. [21] Avec l'Afrique sub-saharienne, les arts culturels occidentaux, les peintures et les objets façonnés égyptiens antiques et les métiers méridionaux indigènes ont également contribué considérablement à l'art africain. Représentant souvent l'abondance de la nature environnante, l'art était souvent des interprétations abstraites d'animaux, de la vie végétale ou de dessins et de formes naturels. Le royaume nubien de Koush dans le Soudan moderne était en contact étroit et souvent hostile avec l'Égypte, et produisait des sculptures monumentales principalement dérivées de styles qui ne menaient pas au nord. En Afrique de l'Ouest, les premières sculptures connues proviennent de la culture Nok qui a prospéré entre 1 500 avant J.-C. et 500 après J. [22]

Des méthodes plus complexes de production d'art ont été développées en Afrique sub-saharienne vers le 10ème siècle, certaines des avancées les plus notables incluent le travail du bronze d'Igbo Ukwu et la terre cuite et les ferronneries de l'Ile Ife Les moulages de bronze et de laiton, souvent ornés d'ivoire et de pierres précieuses. pierres, est devenu très prestigieux dans une grande partie de l'Afrique de l'Ouest, étant parfois limité au travail des artisans de la cour et identifié à la royauté, comme avec les Bronzes du Bénin.

Pendant et après la période coloniale des 19e et 20e siècles, les Occidentaux ont longtemps caractérisé l'art africain comme « primitif ». Le terme comporte des connotations négatives de sous-développement et de pauvreté. La colonisation au cours du XIXe siècle a mis en place une compréhension occidentale articulée sur la croyance que l'art africain manquait de capacité technique en raison de son faible statut socio-économique.

Au début du XXe siècle, des historiens de l'art comme Carl Einstein, Michał Sobeski et Leo Frobenius ont publié des ouvrages importants sur la thématique, donnant à l'art africain le statut d'objet esthétique, et pas seulement d'objet ethnographique. [23] Parallèlement, des artistes comme Paul Gauguin, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Joseph Csaky et Amedeo Modigliani prennent conscience et s'inspirent de l'art africain, entre autres formes d'art. [9] Dans une situation où l'avant-garde établie luttait contre les contraintes imposées en servant le monde des apparences, l'art africain a démontré la puissance de formes suprêmement bien organisées produites non seulement en répondant à la faculté de la vue, mais aussi et souvent principalement, la faculté d'imagination, d'émotion et d'expérience mystique et religieuse. Ces artistes ont vu dans l'art africain une perfection formelle et une sophistication unifiées avec une puissance expressive phénoménale. L'étude et la réponse à l'art africain par les artistes au début du XXe siècle ont facilité une explosion d'intérêt pour l'abstraction, l'organisation et la réorganisation des formes, et l'exploration de domaines émotionnels et psychologiques jusqu'alors inconnus dans l'art occidental. Par ces moyens, le statut de l'art visuel a été modifié. L'art a cessé d'être simplement et principalement esthétique, mais est devenu aussi un véritable médium pour le discours philosophique et intellectuel, et donc plus véritablement et profondément esthétique que jamais. [24]

L'art traditionnel décrit les formes d'art africain les plus populaires et les plus étudiées que l'on trouve généralement dans les collections des musées.

Les masques en bois, qui peuvent être des créatures humaines, animales ou légendaires, sont l'une des formes d'art les plus répandues en Afrique de l'Ouest. Dans leurs contextes d'origine, les masques de cérémonie sont utilisés pour les célébrations, les initiations, la récolte des récoltes et la préparation de la guerre. Les masques sont portés par un danseur choisi ou initié. Lors de la cérémonie du masque, le danseur entre en transe profonde, et durant cet état d'esprit il « communique » avec ses ancêtres. Les masques peuvent être portés de trois manières différentes : couvrant verticalement le visage : en tant que casques, enveloppant toute la tête, et en tant que crête, reposant sur la tête, qui était généralement recouverte d'un matériau faisant partie du déguisement. Les masques africains représentent souvent un esprit et on croit fermement que l'esprit des ancêtres possède le porteur. La plupart des masques africains sont en bois et peuvent être décorés avec : de l'ivoire, des poils d'animaux, des fibres végétales (comme le raphia), des pigments (comme le kaolin), des pierres et des pierres semi-précieuses sont également inclus dans les masques.

Les statues, généralement en bois ou en ivoire, sont souvent incrustées de cauris, de clous métalliques et de clous. Les vêtements décoratifs sont également monnaie courante et constituent une autre grande partie de l'art africain. Parmi les textiles africains les plus complexes se trouve le tissu Kente coloré et tissé en bandes du Ghana. Le mudcloth à motifs audacieux est une autre technique bien connue.

L'Afrique abrite une culture des beaux-arts d'art contemporain florissante. Cela a été peu étudié jusqu'à récemment, en raison de l'accent mis par les chercheurs et les collectionneurs d'art sur l'art traditionnel. Les artistes modernes notables incluent El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nel, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe, Lubaina Himid, Bili Bidjocka et Henry Tayali. Des biennales d'art se tiennent à Dakar, au Sénégal, et à Johannesburg, en Afrique du Sud. De nombreux artistes africains contemporains sont représentés dans les collections des musées, et leur art peut se vendre à des prix élevés aux enchères d'art. Malgré cela, de nombreux artistes africains contemporains ont tendance à avoir du mal à trouver un marché pour leur travail. De nombreux arts africains contemporains empruntent fortement aux prédécesseurs traditionnels. Ironiquement, cet accent mis sur l'abstraction est considéré par les Occidentaux comme une imitation des artistes cubistes et totémiques européens et américains, tels que Pablo Picasso, Amedeo Modigliani et Henri Matisse, qui, au début du XXe siècle, ont été fortement influencés par l'art africain traditionnel. Cette période a été critique pour l'évolution du modernisme occidental dans les arts visuels, symbolisé par la peinture révolutionnaire de Picasso Les Demoiselles d'Avignon. [25]

Aujourd'hui, Fathi Hassan est considéré comme l'un des premiers représentants majeurs de l'art noir africain contemporain. L'art contemporain africain a été lancé dans les années 1950 et 1960 en Afrique du Sud par des artistes comme Irma Stern, Cyril Fradan, Walter Battiss et à travers des galeries comme la Goodman Gallery à Johannesburg. Plus récemment, des galeries européennes comme l'October Gallery à Londres et des collectionneurs comme Jean Pigozzi, [26][26] Artur Walther [27] et Gianni Baiocchi à Rome ont contribué à développer l'intérêt pour le sujet. De nombreuses expositions au Museum for African Art de New York et au Pavillon Africain de la Biennale de Venise 2007, qui présentait le Sindika Dokolo African

Collection of Contemporary Art, ont largement contribué à contrer de nombreux mythes et préjugés qui hantent l'art africain contemporain. La nomination du Nigérian Okwui Enwezor au poste de directeur artistique de Documenta 11 et sa vision de l'art centrée sur l'Afrique ont propulsé la carrière d'innombrables artistes africains sur la scène internationale.

Un large éventail de formes d'art plus ou moins traditionnelles, ou des adaptations de style traditionnel au goût contemporain sont proposés à la vente aux touristes et autres, y compris ce que l'on appelle "l'art de l'aéroport". Un certain nombre de traditions populaires vigoureuses assimilent les influences occidentales aux styles africains tels que les cercueils fantastiques élaborés du sud du Ghana, fabriqués dans une variété de formes différentes qui représentent les occupations ou les intérêts du défunt ou élèvent leur statut. Les Ga croient qu'un enterrement élaboré profitera au statut de leurs proches dans l'au-delà, de sorte que les familles n'épargnent souvent aucune dépense lorsqu'elles décident quel cercueil ils veulent pour leurs proches. [28] Ces cercueils peuvent prendre la forme de voitures, de cabosses de cacao, de poulets ou de toute autre forme qu'une famille peut décider de représenter le mieux pour leur être cher décédé. [29]

Pop art et art publicitaire Modifier

L'art utilisé pour faire de la publicité pour les entreprises locales, y compris les salons de coiffure, les cinémas et les magasins d'appareils électroménagers, est devenu internationalement célébré dans les galeries et a lancé la carrière de nombreux artistes africains contemporains, de Joseph Bertiers du Kenya à plusieurs peintres d'affiches de cinéma au Ghana. [30] Des affiches de films ghanéennes peintes à la main sur toile et sac de farine des années 1980 et 1990 ont été exposées dans des musées du monde entier et ont suscité l'attention virale des médias sociaux en raison de leurs représentations très imaginatives et stylisées de films occidentaux. [31] [32] Cette interprétation créative de la culture occidentale à travers les styles artistiques africains est également exposée avec la tradition des portraits de louanges représentant des célébrités internationales, qui ont souvent servi d'art publicitaire en vitrine, et sont depuis devenus largement appréciés et collectés dans l'art mondial. marché.

Art africain minimaliste Modifier

Un autre artiste africain contemporain notable est Amir Nour, un artiste soudanais résidant actuellement à Chicago. Dans les années 1960, il a créé une sculpture en métal appelée Le pâturage à Shendi (1969) qui se compose de formes géométriques qui se connectent avec sa mémoire de sa patrie. [33] La sculpture ressemble à des moutons qui paissent au loin. Il valorisait la découverte de l'art au sein de la société de l'artiste, y compris la culture, la tradition et les antécédents. [34]

Afrique de l'Ouest Modifier

Ghana Modifier

Le Ghana est célèbre pour avoir créé les expressions et les marques africaines les plus célèbres, allant des sculptures sur bois, des œuvres en laiton, des figurines, des pierres précieuses et différents types de matériaux. Le Ghana a toujours la notoriété en tant que nation avec des économies infinies de minéraux, tels que l'or, le diamant, l'argent, le bronze, etc. Le Ghana fournit de nombreuses aides aux artisans pour créer et concevoir des bijoux, qu'ils soient contemporains ou traditionnels.

Un Kente est un tissu traditionnel, multicolore, tissé à la main et matelassé. C'est aussi une sorte de texture de soie et de coton faite de bandes de tissu entrelacées. Le tissu est au cœur de la culture ghanéenne et il est également traditionnellement utilisé pour être porté comme une chaîne autour des hommes et des femmes avec des variations légèrement différentes pour les deux. Ce tissu est presque porté par tous les membres de la tribu ghanéenne.

Il existe différentes variations de couleurs pour le kente, chaque couleur a des significations différentes. Voici quelques exemples:

L'art Akan est né parmi le peuple Akan. L'art akan est connu pour ses traditions artistiques vibrantes, notamment des textiles, des sculptures, des poids d'or akan, ainsi que des bijoux en or et en argent. Le peuple Akan est connu pour son lien étroit entre les expressions visuelles et verbales et un mélange distinctif d'art et de philosophie. La culture Akan valorise l'or par-dessus tous les autres métaux et pense qu'il peut représenter les éléments surnaturels derrière de nombreuses choses, y compris l'autorité royale et les valeurs culturelles. Les Asante, qui sont une culture dominante de langue Akan au Ghana, font remonter leurs origines à l'arrivée d'un tabouret d'or, qui est maintenant censé contenir l'âme de la nation Asante en son sein. L'or était considéré comme une contrepartie terrestre du soleil et était souvent utilisé dans l'art pour montrer l'importance du roi, ce qui en fait une représentation essentielle de leurs valeurs culturelles et sociales. [35] Le tissu Kente est une autre tradition artistique extrêmement importante de la culture Akan. La tradition dit que le tissu Kente est né lorsque les tisserands ont essayé de copier les capacités de tissage des araignées avec leurs toiles. Le tissu Kente est mondialement connu pour ses couleurs et ses motifs. Son objectif initial était de représenter le pouvoir et l'autorité royale, mais est maintenant devenu un symbole de tradition et a été adopté par plusieurs autres cultures. [36]

Tête trophée Ashanti vers 1870 en or pur Wallace Collection (Londres). Cette oeuvre représente un chef ennemi tué au combat. Weighing 1.5 kg (3.3 lb), it was attached to the Asante king's state sword

Soul washer badge (Akrafokonmu) 18th-19th century gold Metropolitan Museum of Art (New York City)

Calabash adinkra stamps carved in Ntonso (Ghana)

Nigeria Edit

Nigerian culture is illustrated through art and folklore. Nigeria draws its inspiration for their art from traditional folk heritage of the region. There are different types of artwork from the Nigerian culture. Some of these works of art can be stone carvings, potteries, glass work, wood carvings and bronze works. Benin and Awka are considered to be the central places for wood carving. Woodcarvers have been thriving throughout the south of Nigeria from time immemorial.

Examples of Nigerian Traditional Art

Masks are a piece of the animist confidence of the Yoruba individuals. The veils are painted, and fans wear them at memorial services and different functions to mollify the spirits.

Pottery has a long custom in Nigeria. Pottery was well known from 100 B.C. These days Suleja, Abuja and Ilorin are viewed as significant figures of customary ceramics. Potters in Nigeria are frequently female, and usually practice for the methods to be passed on through families.

Yorubas utilize a bush to make indigo-shaded batik-colored fabric. Ladies generally do the withering, while in the north, the specialty is drilled only by men. Weavers everywhere throughout the nation produce a splendid texture with ribbon structures. Oyo state is known for its fine loom materials while fabric from Abia state utilizes a broadloom strategy.

The Nok culture is an early Iron Age population whose material remains are named after the Ham village of Nok in Kaduna State of Nigeria, where their famous terracotta sculptures were first discovered in 1928. The Nok Culture appeared in northern Nigeria around 1500 BC [22] and vanished under unknown circumstances around 500 AD, thus having lasted approximately 2,000 years. [37]

The function of Nok terracotta sculptures remains unknown. For the most part, the terracotta is preserved in the form of scattered fragments. That is why Nok art is best known today only for the heads, both male and female, whose hairstyles are particularly detailed and refined. The statues are in fragments because the discoveries are usually made from alluvial mud, in terrain made by the erosion of water. The terracotta statues found there are hidden, rolled, polished, and broken. Rarely are works of great size conserved intact making them highly valued on the international art market. The terracotta figures are hollow, coil built, nearly life-sized human heads and bodies that are depicted with highly stylized features, abundant jewelry, and varied postures.

Little is known of the original function of the pieces, but theories include ancestor portrayal, grave markers, and charms to prevent crop failure, infertility, and illness. Also, based on the dome-shaped bases found on several figures, they could have been used as finials for the roofs of ancient structures. Margaret Young-Sanchez, Associate Curator of Art of the Americas, Africa, and Oceania in The Cleveland Museum of Art, explains that most Nok ceramics were shaped by hand from coarse-grained clay and subtractively sculpted in a manner that suggests an influence from wood carving. After some drying, the sculptures were covered with slip and burnished to produce a smooth, glossy surface. The figures are hollow, with several openings to facilitate thorough drying and firing. The firing process most likely resembled that used today in Nigeria, in which the pieces are covered with grass, twigs, and leaves and burned for several hours.

As a result of natural erosion and deposition, Nok terracottas were scattered at various depths throughout the Sahel grasslands, causing difficulty in the dating and classification of the mysterious artifacts. Two archaeological sites, Samun Dukiya and Taruga, were found containing Nok art that had remained unmoved. Radiocarbon and thermo-luminescence tests narrowed the sculptures’ age down to between 2,000 and 2,500 years ago, making them some of the oldest in Western Africa. Many further dates were retrieved in the course of new archaeological excavations, extending the beginnings of the Nok tradition even further back in time. [38]

Because of the similarities between the two sites, archaeologist Graham Connah believes that "Nok artwork represents a style that was adopted by a range of iron-using farming societies of varying cultures, rather than being the diagnostic feature of a particular human group as has often been claimed."

Nok seated figure 5th century BC – 5th century AD terracotta 38 cm (1 ft. 3 in.) Musée du quai Branly (Paris). In this Nok work, the head is dramatically larger than the body supporting it, yet the figure possesses elegant details and a powerful focus. The neat protrusion from the chin represents a beard. Necklaces from a cone around the neck and keep the focus on the face.

Relief fragment with heads and figures 5th century BC – 5th century AD length: 50 cm (19.6 in.), height: 54 cm (21.2 in.), width: 50 cm (19.6 in.) terracotta Musée du quai Branly. As most African art styles, the Nok style focuses mainly on people, rarely on animals. All of the Nok statues are very stylized and similar in that they have this triangular shape eye with a perforated pupil, with arched eyebrows.

Male head 550–50 BC terracotta Brooklyn Museum (New York City, USA). The mouth of this head is slightly open. It maybe suggests speech, that the figure has something to tell us. This is a figure that seems to be in the midst of a conversation. The eyes and the eyebrows suggest an inner calm or an inner serenity.

Benin art Edit

Benin art is the art from the Kingdom of Benin or Edo Empire (1440–1897), a pre-colonial African state located in what is now known as the South-South region of Nigeria. The Benin Bronzes are a group of more than a thousand metal plaques and sculptures that decorated the royal palace of the Kingdom of Benin in what is now modern-day Nigeria. [a] Collectively, the objects form the best-known examples of Benin art, created from the thirteenth century onwards, by the Edo people, which also included other sculptures in brass or bronze, including some famous portrait heads and smaller pieces.

In 1897 most of the plaques and other objects in the collection were taken by a British force during the Benin Expedition of 1897, which took place as British control in Southern Nigeria was being consolidated. [41] Two hundred of the pieces were taken to the British Museum, while the rest were purchased by other museums in Europe. [42] Today, a large number are held by the British Museum, [41] as well as by other notable collections in German and American museums. [43]

Bronze Head of Queen Idia early 16th century bronze Ethnological Museum of Berlin (Germany). Four cast bronze heads of the queen are known and are currently in the collections of the British Museum, the World Museum (Liverpool), the Nigerian National Museum (Lagos) and the Ethnological Museum of Berlin

Leopard aquamanile 17th century brass Ethnological Museum of Berlin. The bronze leopards were used to decorate the altar of the oba. The leopard, a symbol of power, appears in many bronze plaques, from the oba's palace

Benin ivory mask of the Queen Mother Idia 16th century ivory, iron & copper Metropolitan Museum of Art. One of four related ivory pendant masks among the prized regalia of the Oba of Benin taken during the Benin Expedition of 1897 in the Southern Nigeria Protectorate

Igbo Edit

The Igbo produce a wide variety of art including traditional figures, masks, artifacts and textiles, plus works in metals such as bronze. Artworks form the Igbo have been found from as early as the 9th century with the bronze artifacts found at Igbo Ukwu. Their masks are similar with the Fang ones, being white and black in about same parts.

Maiden spirit mask early 20th century wood & pigment Brooklyn Museum (New York City, USA)

A mask known as the Queen of Women (Eze Nwanyi) late 19th-early 20th century wood & pigment Birmingham Museum of Art (Alabama, USA)

Bronze ceremonial vessel in form of a snail shell 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum (Lagos, Nigeria)

Bronze ornamental staff head 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum

Female figure for a small temple 20th century Indianapolis Museum of Art

Igbo wooden complex, currently in the British Museum

Garment 1950-1975 cotton Indianapolis Museum of Art

Yoruba Edit

Yoruba art is best known for the heads from Ife, made of ceramic, brass and other materials. Much of their art is associated with the royal courts. They also produced elaborate masks and doors, full of details and painted in bright colors, such as blue, yellow, red and white.

Head of a king or dignitary 12th–15th century AD terracotta Ethnological Museum of Berlin (Germany) discovered at Ife (Nigeria)

Mask for Obalufon II circa 1300 AD copper height: 29.2 cm discovered at Ife Ife Museum of Antiquities (Ife, Nigeria) [44]

Mask with 7 birds 19th-20th century Detroit Institute of Arts (USA)

Mask with superstructure and two birds 19th–20th century Detroit Institute of Arts

Headgear circa 1900-1915 Detroit Institute of Arts

Pair of door panels and a lintel circa 1910–1914 by Olowe of Ise (British Museum, London)

Carnival mask circa 1950 Indianapolis Museum of Art (USA)

Other ethnic groups of Nigeria Edit

Carved door circa 1920-1940 wood with iron staples by Nupe people Hood Museum of Art (Hanover, New Hampshire, USA)

Headdress early 1900s wood, antelope skin, basketry, cane, metal by Ejagham people Cleveland Museum of Art (USA)

Headdress early 1900s wood, hair Idoma people Cleveland Museum of Art

Otobo (hippopotamus) mask by Kalabari people British Museum (London)

Mali Edit

The primary ethnic groups in Mali are the Bambara (also known as Bamana) and the Dogon. Smaller ethnic groups consist of the Marka, and the Bozo fisherman of the Niger River. Ancient civilizations flourished in areas like Djene and Timbuktu, where a great variety of ancient bronze and terra-cotta figures have been unearthed.

Djenné-Djenno Edit

Djenné-Djenno is famous for its figurines which depict humans and animals including snakes and horses. They are made of terracotta, a material that has been used in West Africa for some ten thousand years.

Female figure 13th-–15th century terracotta covered with red ochre height: 37.5 cm (14.7 in.), width: 31 cm (12.2 in.), depth: 24 cm (9.4 in.) Musée du quai Branly (Paris)

Equestrian figure 13th–15th century height: 70.5 cm National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

Male figure 14th-17th century Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

Bambara Edit

The Bambara people (Bambara: Bamanankaw) adapted many artistic traditions and began to create display pieces. Before money was the main drive of creation of their artworks they used their abilities solely as a sacred craft for display of spiritual pride, religious beliefs and display of customs. Example artworks include the Bamana n'tomo mask. Other statues were created for people such as hunters and farmers so others could leave offerings after long farming seasons or group hunts. The stylistic variations in Bambara art are extreme sculptures, masks and headdresses display either stylized or realistic features, and either weathered or encrusted patinas. Until quite recently, the function of Bambara pieces was shrouded in mystery, but in the last twenty years, field studies have revealed that certain types of figures and headdresses were associated with a number of the societies that structure Bambara life. During the 1970s a group of approximately twenty figures, masks and TjiWara headdresses belonging to the so-called 'Segou style' were identified. The style is distinct and recognizable by its typical flat faces, arrow-shaped noses, all-over body triangular scarifications and, on the figures, splayed hands.

There are three major and one minor type of Bambara mask. The first type, used by the N'tomo society, has a typical comb-like structure above the face, is worn during dances and may be covered with cowrie shells. The second type of mask, associated with the Komo society, has a spherical head with two antelope horns on the top and an enlarged, flattened mouth. They are used during dances, but some have a thickly encrusted patina acquired during other ceremonies in which libations are poured over them.

The third type has connections with the Nama society and is carved in the form of an articulated bird's head, while the fourth, minor type, represents a stylized animal head and is used by the Kore society. Other Bambara masks are known to exist, but unlike those described above, they cannot be linked to specific societies or ceremonies. Bambara carvers have established a reputation for the zoomorphic headdresses worn by Tji-Wara society members. Although they are all different, they all display a highly abstract body, often incorporating a zig-zag motif, which represents the sun's course from east to west, and a head with two large horns. Bambara members of the Tji-Wara society wear the headdress while dancing in their fields at sowing time, hoping to increase the crop yield.

Bambara statuettes are primarily used during the annual ceremonies of the Guan society. During these ceremonies, a group of up to seven figures, measuring from 80 to 130 cm in height, are removed from their sanctuaries by the elder members of the society. The sculptures are washed, re-oiled and sacrifices are offered to them at their shrines. These figures – some of which date from between the 14th and 16th centuries – usually display a typical crested coiffure, often adorned with a talisman.

Two of these figures were ascribed great significance: a seated or standing maternity figure called Guandousou – known in the West as 'Bambara Queen' – and a male figure called Guantigui, who usually appears holding a knife. The two figures were surrounded by Guannyeni attendant figures standing or seated in various positions, holding a vessel, or a musical instrument, or their breasts. During the 1970s, numerous fakes from Bamako which were based on these sculptures entered the market. They were produced in Bamako.

Other Bambara figures, called Dyonyeni, are thought to be associated with either the southern Dyo society or the Kwore society. These female or hermaphrodite figures usually appear with geometric features such as large conical breasts and measure between 40 and 85 cm in height. The blacksmith members of the Dyo society used them during dances to celebrate the end of their initiation ceremonies. They were handled, held by dancers and placed in the middle of the ceremonial circle.

Among the corpus of Bambara figures, Boh sculptures are perhaps the best known. These statues represent a highly stylized animal or human figure, and are made of wood which is repeatedly covered in thick layers of earth impregnated with sacrificial materials such as millet, chicken or goat blood, kola nuts and alcoholic drinks. They were employed by the Kono and the Komo societies and served as receptacles for spiritual forces, and could, in turn, be used for apotropaic purposes.

Each special creative trait a person obtained was seen as a different way to please higher spirits.

Dogon Edit

Dogon art consists primarily of sculptures. Their art revolves around Dogon religious values, ideals, and freedoms (Laude, 19). Dogon sculptures are not made to be seen publicly, and are commonly hidden from the public eye within the houses of families, sanctuaries, or kept with the Hogon (Laude, 20). The importance of secrecy is due to the symbolic meaning behind the pieces and the process by which they are made.

Themes found throughout Dogon sculpture consist of figures with raised arms, superimposed bearded figures, horsemen, stools with caryatids, women with children, figures covering their faces, women grinding pearl millet, women bearing vessels on their heads, donkeys bearing cups, musicians, dogs, quadruped-shaped troughs or benches, figures bending from the waist, mirror-images, aproned figures, and standing figures (Laude, 46–52). Signs of other contacts and origins are evident in Dogon art. The Dogon people were not the first inhabitants of the cliffs of Bandiagara. Influence from Tellem art is evident in Dogon art because of its rectilinear designs (Laude, 24).

Dogon art is extremely versatile, although common stylistic characteristics – such as a tendency towards stylization – are apparent on the statues. Their art deals with the myths whose complex ensemble regulates the life of the individual. The sculptures are preserved in innumerable sites of worship, personal or family altars, altars for rain, altars to protect hunters, in market. As a general characterization of Dogon statues, one could say that they render the human body in a simplified way, reducing it to its essentials. Some are extremely elongated with emphasis on geometric forms. The subjective impression is one of immobility with a mysterious sense of a solemn gravity and serene majesty, although conveying at the same time a latent movement. Dogon sculpture recreates the hermaphroditic silhouettes of the Tellem, featuring raised arms and a thick patina made of blood and millet beer. The four Nommo couples, the mythical ancestors born of the god Amma, ornament stools, pillars or men's meeting houses, door locks, and granary doors. The primordial couple is represented sitting on a stool, the base of which depicts the earth while the upper surface represents the sky the two are interconnected by the Nommo. The seated female figures, their hands on their abdomen, are linked to the fertility cult, incarnating the first ancestor who died in childbirth, and are the object of offerings of food and sacrifices by women who are expecting a child.

Kneeling statues of protective spirits are placed at the head of the dead to absorb their spiritual strength and to be their intermediaries with the world of the dead, into which they accompany the deceased before once again being placed on the shrines of the ancestors. Horsemen are reminders of the fact that, according to myth, the horse was the first animal present on earth. The Dogon style has evolved into a kind of cubism: ovoid head, squared shoulders, tapered extremities, pointed breasts, forearms, and thighs on a parallel plane, hairdos stylized by three or four incised lines. Dogon sculptures serve as a physical medium in initiations and as an explanation of the world. They serve to transmit an understanding to the initiated, who will decipher the statue according to the level of their knowledge. Carved animal figures, such as dogs and ostriches, are placed on village foundation altars to commemorate sacrificed animals, while granary doors, stools and house posts are also adorned with figures and symbols.

There are nearly eighty styles of masks, but their basic characteristic is great boldness in the use of geometric shapes, independent of the various animals they are supposed to represent. The structure of a large number of masks is based on the interplay of vertical and horizontal lines and shapes. Another large group has triangular, conic shapes. All masks have large geometric eyes and stylized features. The masks are often polychrome, but on many the color is lost after the ceremonies they were left on the ground and quickly deteriorated because of termites and other conditions. The Dogon continue an ancient masquerading tradition, which commemorates the origin of death. According to their myths, death came into the world as a result of primeval man's transgressions against the divine order. Dama memorial ceremonies are held to accompany the dead into the ancestral realm and restore order to the universe. The performance of masqueraders – sometimes as many as 400 – at these ceremonies is considered absolutely necessary. In the case of the dama, the timing, types of masks involved, and other ritual elements are often specific to one or two villages and may not resemble those seen in locations only several kilometres distant. The masks also appear during baga-bundo rites performed by small numbers of masqueraders before the burial of a male Dogon. Dogon masks evoke the form of animals associated with their mythology, yet their significance is only understood by the highest ranking cult members whose role is to explain the meaning of each mask to a captivated audience.


13 Tips To Understand Revit Base Points And Coordinate System

Revit coordinate system is very confusing. Even after 7 years of Revit experience, I still needed hours of research, investigation and experiments to build this guide.

This post covers a lot of ground. You will learn about the mysterious, super secret Revit Internal Origin. You will learn the difference between a Survey Point and a Project Base Point. You will learn how to properly use the True North and the Project North. Good luck.

Edit: we’ve just added a complete video tutorial on this topic! Check it out:

Edit #2: Are you using Revit 2020.2 or a more recent version? There has been a few changes to coordinates. Read our post about the update.

1- UNDERSTAND THE DIFFERENCE BETWEEN ALL 3 COORDINATE ORIGIN POINTS

There are 3 different origin points in a Revit project: the Project Base Point, the Survey Point and the secret Internal Origin.

PROJECT BASE POINT: This point is used almost exclusively for internal purpose. It is used to place dimensions relatively to the building. It is represented by a blue circle with a cross in the middle. It can also be used to set the angle difference between the True North and the Project North.

SURVEY POINT: This is used to create a "shared coordinates" system among multiple linked Revit or CAD files. That means it's location is most useful when exporting and importing files. It is usually placed relatively to the Site.

INTERNAL ORIGIN: This is the tricky one. This point is invisible and cannot be moved. Most users don't even know it exists. By default, importing or exporting a CAD or Revit file will be made relatively to this super secret point, therefore confusing many people.

2- LOCATE THE INTERNAL ORIGIN

Now that you are aware of this super secret internal origin, you should locate it in a plan view using reference planes. Actually, you should locate it in your Revit Template so you will be able to track it's location for all new projects.

To locate the point, go to your site plan and make sure the Project Base Point is set to visible in the Visibility/Graphics settings.

The next step is to select the project base point and click on the clip icon. A red dash should appear on the icon. The next step is to right-click on the project base point and select "Move to Startup Location"

The project base point should now be located at the exact same spot as the Internal Origin. Mark this spot in the project by creating two reference planes that intersect at the point. You should also add a text note to indicate the location to other users.

The 3 origin points not only have X/Y coordinates, but also a Z-axis elevation. Therefore, you should open an elevation view and unhide the Project Base Point and Survey Point. Create a third reference plane to indicate the height location of the Internal Origin.

3- BY DEFAULT, SET THE 3 ORIGINS AT THE SAME SPOT

In most project, the Project Base Point, the Survey Point et le Internal Origin can all remain in the same spot without any problem. In your template, make sure they all fit together in a corner of your building, at the intersection of grids A and 1.

While the default stance is to keep these points together, the next tips will teach you in which case they should be moved.

4- TOPOSURFACE IS RELATIVE TO INTERNAL ORIGIN

The 3 origins points each can have a different elevation value. When creating a toposurface, you have to set values refering to Absolute Elevation. This value is relative to the Internal Origin.

5- SET LEVELS RELATIVE TO PROJECT BASE POINT

In most projects, it is a smart move to set the project first level at 100'-0'' or 10 000mm. This is an arbitrary value that has no relation to the sea level. The best practice is to set this value in relation to the Project Base Point. Select a level, click on Edit Type and make sure that the Elevation Base is set to Project Base Point.

6- USE THE INTERNAL ORIGIN AS SEA LEVEL = 0

In a project where you want to spot elements in relation to the sea level, you should use the Internal Origin to represent sea level 0.

In this example, the 10 000mm project level fits the 4 835mm sea level. That means we have to move the Project Base Point so it is 5 165mm below the Internal Origin base elevation.

If you want to spot any element in your project in relation to the sea level, create a new Spot Elevation tag that use Relative as the Elevation Origin.

Placing the Project Base Point relatively to the Internal Origin should be your first move when starting a project. Else, you won't be able to model the site using the sea level elevation values.

In a project where the site and project are already modeled without using the sea elevation, the solution is to use the Survey Point as the sea level origin. If you want to model the toposurface with sea level elevation, your best bet is to use a linked site model.

7- CREATE A SPOT COORDINATE FOR EACH ORIGIN

The Spot Coordinate tool is used to specify coordinate relatively to one of the 3 origin. You can find this tool in the Annotate tab.

In your template, it is a smart move to create a Spot Coordinate for each of the 3 origin type. Edit the type of the spot coordinate and use the duplicate tool. Scroll down the settings options and you will see the Coordinate Origin parameter. Create a different tag for all 3 origins (Survey, Project Base and Internal). Relative refers to the Internal Origin of the project.

Once you are done, you should have 3 different Spot Coordinate types like in this image.

As you can see in the image below, each spot coordinate are used to spot the same element. However, they indicate different data since they each refer to a different origin. These tags can be useful when you are confused about the location of the origin or of a specific element.

Do you like this blog post? Make sure to check out our popular BASICS 2021 learning package. Use code 2021 to get 25% off.

8- UNCLIP PROJECT BASE POINT BEFORE MOVING IT

If you want your project base point to be in a different spot than the internal origin, you have to move it. However, if you try to move it, everything in the project will also move except the survey point.

To avoid this issue, unclip the project base point first. Move it to the proper emplacement, then clip it again. As you see, the coordinates will be changed: the N/S and E/W coordinates are always relative to the Survey Point.

9- NEVER UNCLIP THE SURVEY POINT

While unclipping the project base point is the standard procedure before moving it, you should never unclip the Survey Point. If you unclip and move the Survey Point, you will cause a lot of pain, horror and confusion for people working in your model.

The only thing that moving an unclipped survey point will do is to move the icon representation of the survey point, not the survey point itself. There is absolutey no reason to ever make such a move.

If you click a survey point and you see something else than 0,0,0 coordinates, that means someone messed up and decided to move an unclipped survey point. Simply change the values back to 0,0,0.

*Edit: Turns out some people like to move an unclipped survey point. Steve Stafford explains in which case that might be useful in this post on his Revit OpEd blog. For the sake of simplicity, I would still recommend never unclipping the Survey Point, unless you have a really good reason.

10- USE PROJECT BASE POINT TO SET THE TRUE NORTH

Each project contains a Project North et un True North. The Project North is a virtual orientation used to model your project so it is orthogonal to your screen. The True North is a real-world north used to properly locate the orientation of your building. To set a True North value, select the Project Base Point and enter the angle.

In the view properties of each view, you can specify the orientation you want to use. In almost all cases, Project North will be used.

Revit weirdness alert: although the True North value is set in the Project Base Point, the value is actually embedded in the Survey Point. Even weirder: you can have multiple Survey Points in a project. That means you can have many multiple True North value in a single project. Strange, huh?

11- SET THE CAD EXPORT COORDINATE SETTINGS

Most users are confused about the project origin when exporting to CAD. The reason is that the Internal Origin is used by default. You can access the exportation options by going to File/Export/CAD Format and by clicking the 3 small dots next to the Select Export Setup menu. Go to the Units & Coordinates tab.

If you export a Revit view to DWG, the default setting is Project internal. That setting will use the Internal Origin as the 0,0,0 point location in AutoCAD.

The other option is called Shared. This will use the Survey Point as the 0,0,0 point in AutoCAD.

Watch out: If you are using the Shared setting and you entered an angle value for the True North, the project will appear rotated once opened in AutoCAD. To avoid this issue, export the sheet where the view is placed instead of exporting the view.

12- USE LINK CAD TO SET THE SURVEY POINT AS THE ORIGIN

The Link CAD tool has more positioning options available than Import CAD. If you want to use the Survey Point as the origin for the CAD file, you have to use Link CAD and select By Shared Coordinates. Else, the Origin to Origin option will match the Revit file Internal Origin to the DWG 0,0,0 point.

13- USE ORIGIN TO ORIGIN WHEN LINKING REVIT FILE

Revit offers a fancy "Shared Site" and "Shared Coordinates" system to link Revit files. but the truth is that you don't need to use these feature in 90% of projects. le Origin to Origin tool works perfectly fine. This option will match the models Internal Origins.

When linking a model, it is a wise move to PIN it immediately. If it moves around by mistake, right-click the model and use the "Reposition to Internal Origin" tool.

There is a few cases where you might want to use the Shared Coordinates system when linking Revit models. Check out the pamphlet below to learn more.

WANT MORE TIPS? DOWNLOAD THE FREE PAMPHLET.

There is even more weirdness to learn about coordinates. Want to know how to create a shared site? How to create multiple survey points and true norths? Our brand new quarterly free pamphlet publication was just released. It contains this whole blog post with extra tips inside an epic 28 pages PDF.


MapImageLayerManager¶

allows administration (if access permits) of ArcGIS Online hosted map image layers. A map image layer offers access to map and layer content.

The cancel job operation supports cancelling a job while update tiles is running from a hosted feature service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

delete_tiles ( levels , extent = None ) ¶

Deletes tiles for the current cache

La description

optional dictionary, If specified, the tiles within this extent will be deleted or will be deleted based on the service’s full extent. Example: 6224324.092137296,487347.5253569535, 11473407.698535524,4239488.369818687 the minx, miny, maxx, maxy values or, <“xmin”:6224324.092137296,”ymin”:487347.5253569535, “xmax”:11473407.698535524,”ymax”:4239488.369818687, “spatialReference”:<“wkid”:102100>> the JSON representation of the Extent object.

required string, The level to delete. Example, 0-5,10,11-20 or 1,2,3 or 0-5

edit_tile_service ( service_definition = None , min_scale = None , max_scale = None , source_item_id = None , export_tiles_allowed = False , max_export_tile_count = 100000 ) ¶

This operation updates a Tile Service’s properties

service_definition - updates a service definition min_scale - sets the services minimum scale for caching max_scale - sets the service’s maximum scale for caching source_item_id - The Source Item ID is the GeoWarehouse Item ID of the map service export_tiles_allowed - sets the value to let users export tiles max_export_tile_count - sets the maximum amount of tiles to be exported

La description

Required ItemId or Item. The TPK file’s item id. This TPK file contains to-be-extracted bundle files which are then merged into an existing cache service.

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Optional Boolean. Default is false and applicable to compact cache storage format. It controls whether the bundle files from the TPK file are merged with the one in the existing cached service. Otherwise, the bundle files are overwritten.

Optional Boolean. Default is false, applicable to compact cache storage format and used when merge=true. It controls whether the new tiles will replace the existing ones when merging bundles.

Returns the job statistics for the given jobId

refresh ( service_definition = True ) ¶

The refresh operation refreshes a service, which clears the web server cache for the service.

The rerun job operation supports re-running a canceled job from a hosted map service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

La description

required string, parameter used to re-run a given jobs with a specific error code: ALL | ERROR | CANCELED

required string, job to reprocess

update_tiles ( levels = None , extent = None ) ¶

The starts tile generation for ArcGIS Online. The levels of detail and the extent are needed to determine the area where tiles need to be rebuilt.

..Note: This operation is for ArcGIS Online only.

La description

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Dictionary. If the product is not ArcGIS Online tile service, the result will be None.


The enumitem package might be useful, combined with some package listed in the Comprehensive Symbol List:

where i , ii , iii , etc. refer to the current bullet level.

One possible way to accomplish it is.

First, include amssymb package by adding the line usepackage in the preamble of your document.

The list of all keywords aimer square, checkmark etc. can be found in amssymb package documentation. Visit: http://milde.users.sourceforge.net/LUCR/Math/mathpackages/amssymb-symbols.pdf

will change that item's bullet to a diamond. This works on a per item basis.


Voir la vidéo: Tuto Minecraft: Mettre des marqueurs sur une map